I.
CUENTOS Y NOVELAS (PREMIOS NACIONALES)
a.
CUENTO
El cuento es una narración breve de
carácter ficcional protagonizada por un grupo reducido de personajes. Este es
transmitido originalmente por vía oral aunque con la modernización se han
creado nuevas formas como los audiolibros.
Partes del cuento
El cuento se compone de tres partes.
- Introducción o planteamiento: La parte inicial de la historia,
donde se presentan todos los personajes y sus propósitos.
Pero fundamentalmente, donde se presenta la normalidad de la historia. Lo
que se presenta en la introducción es lo que se quiebra o altera en el
nudo. La introducción sienta las bases para que el nudo tenga sentido.
- Desarrollo o nudo: Parte donde surge el conflicto, la historia toma
forma y suceden los hechos más importantes. El nudo surge a partir de un
quiebre o alteración de lo planteado en la introducción.
- Desenlace o final: Parte donde se suele dar el clímax, la solución a la
historia y finaliza la narración. Incluso en los textos con final abierto,
hay un desenlace. Puede terminar en un final feliz o no.
Premio de cuento Franz
Tamayo (Bolivia)
TÍTULO DE LA OBRA
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AÑO
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GÉNERO
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AUTOR
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RESEÑA
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China Supay y otros
cuentos
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1999
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Cuento
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GRISI, Ana M., otros
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Galardonada con el
Premio Franz Tamayo, este cuento explora un mundo de figuras femeninas
compuesta de tres voces contradictorias y complementarias. Destaca en el
manejo del lenguaje y la simbología. Trata sobre el imaginario andino dentro
de una visión urbana que nos permite acercarnos a esa Bolivia profunda e
ignorada.
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Delfin del mundo y otros
cuentos
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2000
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Cuento
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Cajias, Francisco; y otros
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La obra trata sobre el fin de un pueblo, sobresale por su manejo en
el lenguaje metafórico y el uso de simbología andina. El personaje central se
enfrenta a la desaparición de su pueblo y rescata la vida de los chipayas
entre música indígena, máscaras, espejos y achachilas y hace visible esa
Bolivia profunda. Expone el mito Chipaya que explica el alienamiento cultural
de este pueblo.
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El Avión y la Miel, más
otros cuentos
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2001
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Cuento
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Aguirre, Guillermo
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Esta narración (Premio Franz Tamayo), explora la vida de
los niños de la calle que se refugian en la clefa para olvidar que sienten
hambre y frio y para superar la indiferencia de la sociedad.
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El tesoro del pirata y
otros cuentos
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2002
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Cuento
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Ortega, Erick
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Galardonado con el
Premio Franz Tamayo, este cuento presenta la historia de un joven tardío,
cándido y cornudo que comprende que hay amores que matan. La obra da un
panorama nuevo a la narrativa boliviana, pues pocas veces se ha reído a
carcajadas irónicas de su propia tragedia que demuestra un humor cercano al
sarcasmo, tan adecuado para estos tiempos.
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FUENTE:
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b.
NOVELA
La novela (del italiano
novella, noticia) es, según la RAE, una obra literaria en prosa en la que se
narra una acción fingida en todo o en parte, y cuyo fin es causar placer
estético a los lectores con la descripción o pintura de sucesos o en lances
interesantes, de caracteres, de pasiones y de costumbres.
Características
Las bases de una novela son las siguientes:
Una narrativa extensa: las novelas tienen,
generalmente, entre 60.000 y 200.000 palabras, o de 300 a 1.300 páginas o más.
Aquí radica la diferencia con el "cuento".
Existe una zona difusa entre cuento y novela que no es posible separar en forma
tajante. A veces se utiliza el término nouvelle o novela corta para designar
los textos que parecen demasiado cortos para ser novela y demasiado largos para
ser 'cuento'; pero esto no significa que haya un tercer género (por el
contrario, duplicaría el problema porque entonces habría dos límites para
definir en lugar de uno).
Hay otras diferencias entre novela y cuento: el relato
aparece como una trama más complicada o intensa, con mayor número de personajes
que además están más sólidamente trazados, ambientes descritos pormenorizadamente,
etcétera.
Es de ficción, lo que la hace diferente de otros
géneros en prosa como la historia o el ensayo.
En prosa, lo que la separa de los relatos ficticios
extensos en forma rimada. No obstante, Eugenio Oneguin, de Aleksandr Pushkin,
se considera una novela, aunque está en verso.
Historia
(Siglo XVI) La difusión de
la imprenta
incrementó la comercialización de las novelas y los romances, aunque los libros
impresos eran caros. La alfabetización fue más rápida
en cuanto a la lectura que en cuanto a la escritura.
(Siglo XVII)
La novela moderna, como técnica y género literario está en el siglo XVII en la lengua española, siendo su mejor ejemplo Don
Quijote de la Mancha (1605) de Miguel de Cervantes. Se considera como la primera
novela moderna del mundo, ya que innova respecto a los modelos clásicos de la
literatura greco-romana como lo eran la epopeya o la crónica. Incorpora ya una estructura episódica según
un propósito fijo premeditadamente unitario. Se inició como una sátira del Amadis,
que había hecho que Don Quijote perdiera la cabeza. Los defensores del Amadís
criticaron la sátira porque apenas podía enseñar
algo: Don Quijote ni ofrecía un héroe al que emular ni satisfacía con
bellos diálogos; todo lo que podía ofrecer es hacer burla de los ideales
nobles. Don Quijote fue la primera obra auténticamente anti-romance de este periodo; gracias a su
forma que desmitifica la tradición caballeresca y cortés, representa la primera
obra literaria que se puede clasificar como novela.
(Siglo XIX) A
finales del siglo XVIII aparecen unas novelas cargadas de un sentimentalismo
melancólico que abren el período romántico que se desarrolla plenamente en el siglo XIX con la
aparición de la novela histórica, psicológica,
poética y social. El género alcanza su perfección técnica con el realismo
y el naturalismo.
Es en esta época en la que la novela alcanza su madurez como género. Su forma y
su estética ya no cambiaron más hasta el siglo XX: su división en capítulos, la
utilización del pasado narrativo y de un narrador omnisciente. También es en
este siglo cuando se desarrolla el Romanticismo, que
contrariamente a lo que se pudiera pensar, no empleó la cultivó tanto el género
novelístico. Por otro lado está la novela realista, que se
caracteriza por la verosimilitud de las intrigas, que a menudo están inspiradas
por hechos reales, y también por la riqueza de las descripciones y de la
psicología de los personajes. La voluntad de construir un mundo novelístico a
la vez coherente y completo vio su culminación con La Comedia humana
de Honoré de Balzac, así como con
las obras de Flaubert
y Maupassant
y acabó evolucionando hacia el naturalismo de Zola y hacia la novela
psicológica.
El siglo XX, con presencia predominante de escritores
europeos, como Virginia Wolf y Franz Kafka. El XXI. Se vieron influenciados por
los cambios en la sociedad y la filosofía dando cambios en el manejo del
lenguaje especialmente. En Latinoamérica se difundió el boom de la Literatura
latinoamericana (Cortazar, García
Marquez, Vargas Llosa) seguida de la nueva narrativa latinoamericana. (Roberto
Bolaño, Juan José Saer).
PREMIOS DE NOVELA (Bolivia)
TÍTULO DE LA OBRA
|
AÑO
|
GÉNERO
|
AUTOR
|
La vida me duele sin vos
|
1999
|
Novela
|
LEMA, Gonzalo
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Alguien más a cargo
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2000
|
Novela
|
MENDIZABAL, Ce
|
Magdalena en el paraiso
|
2001
|
Novela
|
GUTIERREZ, Tito
|
Potosí 1600
|
2002
|
Novela
|
ROCHA Monroy, Ramón
|
El Delirio del Turing
|
2003
|
Novela
|
PAZ Soldan, Edmundo
|
La gula del picaflor
|
2004
|
Novela
|
LECHIN, Juan Claudio
|
La doncella del baron cementerio
|
2005
|
Novela
|
SCOTT – Moreno, Eduardo
|
El agorero de sal
|
2006
|
Novela
|
SILES, Luisa Fernanda
|
Fantasmas asesinos
|
2007
|
Novela
|
URRELO, Wilmer
|
La toma del manuscrito
|
2008
|
Novela
|
ANTEZANA, Sebastian
|
He de morir de cosas así
|
2009
|
Novela
|
SCOTT – Moreno, Eduardo
|
La noche como un ala
|
2010
|
Novela
|
Maximo Pacheco Balanza
|
Diario secreto
|
2011
|
Novela
|
FERRUFINO, Claudio
|
II.
LA LITERATURA Y LA MÚSICA
Desde de
punto de vista histórico, la música y la literatura estuvieron vinculados
estrechemente, con el uso de la Lira en las interpretaciones poeticas
realizadas por los antiguos aedas en la Grecia antigua.
El estudio
de las relaciones entre música y literatura ha adquirido diversas
formas. De manera general, puede decirse que se centra en las similitudes,
paralelismos, divergencias y mutua influencia que puede encontrarse entre ambas
expresiones artísticas.
Existen 3
estudios sobre la combinación de las dos artes en la música vocal,
particularmente en la ópera, el Lied o la mélodie française de finales del siglo XIX. También se ha estudiado el papel de la
música en ciertas novelas o el impacto de corrientes u obras literarias sobre
la producción musical. Como ejemplos de trabajos sobre esta correspondencia de
las artes, podemos citar la obra de Jean-Jacques Nattiez sobre la presencia de
la música en la prosa proustiana, de Joycelynne Loncke sobre la
importancia de la música en la poesía de Baudelaire, o, en el sentido
contrario, la de Teófilo Sanz sobre la influencia de la poesía francesa en la
sintaxis musical de Maurice Ravel.
LA LÍRICA
La lírica
o género lírico es un género literario en el que el autor quiere transmitir sentimientos, emociones o sensaciones respecto
a una persona u objeto de inspiración.
CONTEXTO
Se llama
género lírico porque en la antigua Grecia este género se cantaba, y era
acompañado por un instrumento llamado lira. Su forma más habitual es el
verso y la primera persona. Comunica las más íntimas vivencias del hombre, lo
subjetivo, los estados anímicos.
En su
concepto más vasto comprende además de la oda, la canción, la balada, la elegía, el soneto e incluso las piezas de teatro destinadas a ser cantadas, como
las óperas y dramas líricos. En lenguaje usual, sin
embargo, designa casi exclusivamente la oda que, según las formas que reviste
toma los nombres de ditirambo, himno, cantata, cántico, etc. La métrica y el ritmo de los poemas
depende exclusivamente del poeta o el escritor
COMPONENTES DEL GÉNERO LÍRICO
El género lírico se caracteriza por tener la presencia de un:
- Hablante lírico, es el que expresa todos los sentimientos en el
poema respecto a un objeto lírico.
- El objeto lírico es la persona, objeto o situación que provoca
sentimientos en la voz poética.
- El motivo lírico es el tema del cual trata la obra lírica, es
decir, el sentimiento predominante de la voz poética.
- La actitud lírica es la forma en la cual el hablante lírico expresa
sus emociones. La más importante es la siguiente:
- Actitud apostrófica o apelativa: actitud lírica en la cual el
hablante lírico se dirige a otra persona, como el objeto lírico o el
lector.
III. EL TEATRO CONTEMPORÁNEO
TEATRO ANTIGUO
En Grecia nació el teatro entendido como «arte
dramático». El teatro
griego evolucionó
de antiguos rituales religiosos (komos); el ritual pasó a mito y, a través de la «mímesis», se añadió la palabra, surgiendo la tragedia. A la vez, el público pasó de participar en
el rito a ser un observador de la tragedia, la cual tenía un componente
educativo, de transmisión de valores, a la vez que de purgación de los
sentimientos («catarsis»). Más adelante surgió la comedia, con un primer componente de sátira y crítica política y social, derivando más tarde a temas
costumbristas y personajes arquetípicos. Apareció entonces también la mímica y la farsa. Los principales dramaturgos griegos fueron:
Esquilo, Sófocles y Eurípides en tragedia, mientras que en comedia
destacaron Aristófanes y Menandro.1
El teatro romano recibió la influencia del griego, aunque originalmente derivó de
antiguos espectáculos etruscos, que mezclaban el arte escénico con la
música y la danza: tenemos así los ludiones, actores que bailaban al
ritmo de las tibiae –una especie de aulos–; más tarde, al añadirse la
música vocal, surgieron los histriones –que significa «bailarines» en etrusco–, que mezclaban canto y mimo (las saturae,
origen de la sátira). Al parecer, fue Livio Andrónico –de origen griego– quien en el siglo III a.C. introdujo en estos espectáculos la narración
de una historia. El ocio romano se dividía entre ludi circenses (circo) y ludi scaenici (teatro), predominando en este último el mimo, la danza y el canto (pantomima). Como autores destacaron Plauto y Terencio.2
En Oriente destacó el teatro indio, que tiene su origen en el Nāṭya-śāstra, libro sagrado de Brahma comunicado a los hombres por el rishi Bharata Muni, donde se habla de canto, danza y mímica. Generalmente, la temática es de signo mitológico, sobre las
historias de los dioses y héroes indios. La representación es básicamente actoral, sin decorados, destacando únicamente el vestuario y el maquillaje. Había diversas modalidades: Śakuntalā, de siete actos; Mricchakaṭikā, de
diez actos. Como dramaturgos destacaron Kālidāsa y Śūdraka.3
EL TEATRO DEL ABSURDO
Teatro del absurdo es un término que abarca un conjunto de obras escritas por ciertos dramaturgos estadounidenses y europeos durante las décadas de 1940, 1950 y 1960 y, en general, el que surgió a partir de la
obra de aquellos. Se caracteriza por tramas que parecen carecer de significado, diálogos repetitivos y falta de secuencia dramática
que a menudo crean una atmósfera onírica. El teatro del absurdo tiene fuertes rasgos existencialistas y cuestiona la sociedad y al hombre. A través del humor y la mitificación escondían una actitud muy exigente hacia su arte. La incoherencia, el disparate y lo ilógico son también rasgos
muy representativos de estas obras.
ORIGEN
Surge en el
siglo XX. Los autores comenzaron a aglutinarse bajo la etiqueta de lo absurdo como una forma de acuerdo frente a la
ansiedad, lo salvaje y la duda ante un universo inexplicable y recayeron en la metáfora poética como un medio de proyectar sus más
íntimos estados. Es por ello que las imágenes del teatro absurdo tienden a
asumir la calidad de la fantasía, el sueño y la pesadilla, sin interesarle tanto la aparición de la
realidad objetiva como la percepción emocional de la realidad interior del
autor [1995]
Así, por
ejemplo, la obra Días
felices de Beckett
(1961) expresa una generalizada ansiedad del hombre sobre la aproximación de la muerte, a través de la imagen concreta de una mujer hundida hasta la
cintura en el suelo en el primer acto y hasta el cuello en el segundo, mientras
que en Rinocerontes de Ionesco (1960) se muestra la ansiosa preocupación acerca del esparcimiento de
las inhumanas tendencias totalitarias mostrando a la población de una
ciudad transformándose en salvajes paquidermos.
Entre los
principales dramaturgos del teatro del absurdo se cuentan René Marques, Alfred Jarry, Antonin Artaud, Virgilio Piñera, Eugène Ionesco, Samuel Beckett, Jean Genet, Tom Stoppard, Arthur Adamov, Harold Pinter, Slawomir Mrozek y Mijail Volojov. En España fue creado por Miguel Mihura. Algunas obras representativas son: Esperando a Godot, de Beckett y El rinoceronte, de Ionesco, o de este último también La cantante calva. Fuera del teatro: algunas de las películas de Luis Buñuel podrían catalogarse de absurdistas, si bien
la clasificación es discutible.
DRAMATURGO DEL ABSURDO
La
literatura del absurdo da muestra de la filosofía del dramaturgo de la cual Beckett es uno de los máximos
representantes. Aunque más bien a Beckett se le relaciona con el Teatro del
absurdo donde la tragedia y la comedia chocan en una ilustración triste de la
condición humana y la absurdidad de la existencia. El dramaturgo del absurdo
viene a ser un investigador para el cual el orden, la libertad, la justicia, la "psicología" y el lenguaje no son más que una serie de sucesivas
aproximaciones a una realidad ambigua y decepcionante. El dramaturgo del
absurdo desmantelará el viejo universo cartesiano y su manifestación escénica.
IV. EL CINE Y LA LITERATURA
CINE LATINOAMERICANO
Se denomina cine
latinoamericano al conjunto de producciones cinematográficas de los artistas, productores y técnicos de América Latina. Buena parte de esta producción está
concentrada en cuatro países: Argentina, Brasil, México y Cuba, aunque otros
países como Chile, Colombia y Perú han tenido periodos intermitentes de auge de
sus cinematografías. La Argentina es el único país ganador de un óscar dentro
de Latinoamérica, con sus películas "La historia oficial" (1985) y
"El secreto de sus ojos" (2010): dos óscares en total.
Existen festivales
y entidades dedicadas especialmente a la promoción del cine latinoamericano,
como el Festival de Cine Latinoamericano de Toulouse, Festival Internacional del Nuevo Cine Latinoamericano
de La Habana o la Fundación del Nuevo Cine Latinoamericano, con los antecedentes históricos
de los festivales de Pesaro y sobre todo del Festival de Cine de Viña del Mar
en 1967 y 1969.
CINE
BOLIVIANO
Mencionamos dos etapas del cine,
el cine silente y cine sonoro.
Primeros
años, la época del cine silente. En 1897 el teatro municipal de la ciudad de La
Paz que luego se convertiría en la principal sala de la etapa del cine mudo
representado por José María Velasco Maidana
Primero
largometrajes, el cine sonoro. En 1923 llega a Bolivia el cineasta italiano
Pedro Sambarino. El italiano creó la empresa Cinematográfica Boliviana S.A.,
que luego se convertiría en Bolivia Films. El 14 de julio de 1925 se estrena
“Corazón Aymara”
Podemos
mencionar a reconocidos directores de cine boloviano como Paolo Agazzi, Antonio
Eguino, Jorge Sanjinez, Carlos Valdivia, Tonchy Antezana y otros.
Mi Socio – 1982
Es dirigido por el
boliviano-italiano Paolo Agazzi. Es una película que recorre la
diversidad del país de las experiencias de un camionero occidental junto a su
pequeño ayudante lustrabotas que procede del oriente, según el libro
Panorámica a la historia del cine boliviano. Ganó premios en festivales de
Colombia, Cuba y el país.
Cementerio de elefantes
Adentrándose en un mito, legado
del escritor Víctor Hugo Vizacarra, Tonchy Antezana intenta (re) construir la
representación del alcohol y del alcoholismo en las marginales entrañas de la
cuidad de La Paz. Intentemos, nosotros, a su vez, encontrar ese
imaginario.
Escríbeme postales a Copacabana
Dirigida y escrita por el cineasta Leónidas
Zegarra. Se estrenó el 22 de marzo de 2012.
¿Quién mató a la llamita blanca? - 2007
Es una película boliviana (comedia) del año
2006, escrita por el guionista y cineasta boliviano Juan Cristóbal Ríos Violand
y dirigida por el director boliviano Rodrigo Bellott.
